Russische kunst: panorama van de 20e eeuw

Russische kunst vormt een van de grote esthetische breuken van de twintigste eeuw. Voordat Moskou en Sint-Petersburg avant-gardelaboratoria werden, kende de Russische schilderkunst twee sterke hoogtepunten: de Drie-eenheidsicoon van Andrej Roebljov (jaren 1410-1420) en het sociaal realisme van de Peredvizjniki, de rondtrekkende realisten van de negentiende eeuw, met onder anderen Ilja Repin, Vasili Soerikov en Ivan Sjisjkin. Maar het is tussen 1907 en 1991 dat de Russische kunst radicaal moderniseert, uitgroeit tot wereldwijd laboratorium en vervolgens tot iconografische matrix van het Sovjetregime. Dit artikel doorloopt de chronologie aan de hand van vier kantelmomenten: 1915 en het Zwarte Vierkant van Malevitsj, 1917 en de Oktoberrevolutie, 1934 en de doctrine van het socialistisch realisme, 1991 en de ontbinding van de USSR. Avant-garde, suprematisme, constructivisme, socialistisch realisme, Sovjetaffiches en non-conformistische kunst: zes stromingen om te begrijpen hoe de Russische kunst de blik van de twintigste eeuw heeft hertekend.

Wat is Russische kunst en hoe valt ze uiteen in de twintigste eeuw?

Russische kunst omvat de schilder-, graveer-, beeldhouw- en bouwkunst die is voortgebracht op Russisch en later Sovjetgrondgebied, van de middeleeuwen tot vandaag. Om de Russische kunst van de twintigste eeuw te begrijpen, moet je eerst haar twee historische wortels kennen. De eerste gaat terug tot de Russisch-Byzantijnse iconen van de veertiende en vijftiende eeuw, met Andrej Roebljov als centrale figuur dankzij zijn Drie-eenheidsicoon uit circa 1411. De tweede, van latere datum, ontstaat met het genootschap van de Peredvizjniki, opgericht in 1870, waarin Ilja Repin, Vasili Soerikov, Ivan Kramskoj en Ivan Sjisjkin zich verenigen rond een geëngageerd, nationaal sociaal realisme.

De overgang naar de twintigste eeuw markeert een snelle breuk. De Russische schilderkunst ontstijgt in enkele jaren tijd het academische keurslijf en wordt een wereldwijd broeinest van de avant-garde. De chronologie van de Russische kunst in de twintigste eeuw valt uiteen in vier grote fasen:

• 1907-1932: avant-gardistische bloei, suprematisme en constructivisme, Russische kunst op het hoogtepunt van de wereldwijde moderniteit.
• 1934-1953: socialistisch realisme opgelegd als staatsdoctrine, geen ruimte meer voor formele experimenten.
• 1953-1964: dooi onder Chroesjtsjov, relatieve openheid, heropleving van niet-officiele kunst.
• 1965-1991: sots art, school van Lianozovo, Moskous conceptualisme, de non-conformistische Russische kunst volledig uitgekristalliseerd.

Deze vier fasen zijn niet strikt gescheiden. Dezelfde generatie kunstenaars doorkruist soms meerdere fasen: Malevitsj schildert zijn Zwarte Vierkant in 1915 en sterft in 1935, nadat hij het suprematisme officieel gemarginaliseerd heeft zien worden. Rodtsjenko begint in 1917 als zuiver constructivist en eindigt in de jaren 1940 als semi-officieel fotograaf. De Russische kunst laat zich dus evengoed lezen in biografieen als in stromingen.

Hoe heeft de Russische avant-garde de kunst tussen 1907 en 1917 gerevolutioneerd?

De Russische avant-garde is de generatie kunstenaars die tussen 1907 en 1917 de Russische kunst omvormt tot een experimenteel laboratorium dat rivaliseert met Parijs en München. De jaren voor de revolutie zijn jaren van grote bedrijvigheid: tentoonstellingen in Moskou, salons in Sint-Petersburg, manifesten, opeenvolgende breuken tussen groepen (Ruiten Boer in 1910, Ezelsstaart in 1912, Doelwit in 1913, De Ezelsstrik in 1914). Binnen een decennium neemt de Russische kunst het postimpressionisme, het fauvisme, het kubisme en het futurisme in zich op, om ze vervolgens te overstijgen.

Wassily Kandinsky (1866-1944) neemt een aparte plaats in. Opgeleid in München publiceert hij in 1911 zijn belangrijkste essay, Over het geestelijke in de kunst, waarin hij de lyrische abstractie verdedigt. Zijn Composities en Improvisaties uit de jaren 1910-1913 behoren tot de eerste non-figuratieve schilderijen uit de wereldwijde kunstgeschiedenis. Kandinsky keert in 1914 terug naar Rusland, krijgt na 1917 pedagogische verantwoordelijkheden, en verlaat het land in 1921 definitief om zich bij het Bauhaus in Weimar te voegen.

In Moskou grondvest het koppel Natalia Gontsjarova (1881-1962) en Michail Larionov (1881-1964) achtereenvolgens het neoprimitivisme en het rayonisme. Het neoprimitivisme beroept zich op Russische volkse bronnen: de loebki (volksprenten), uithangborden van kooplieden, landelijke iconen. Het rayonisme, in 1913 door Larionov theoretisch onderbouwd, breekt het zichtbare op in bundels lichtstralen en loopt vooruit op bepaalde aspecten van de westerse abstractie. Gontsjarova werkt in Parijs ook als decorontwerper voor de Ballets Russes van Diaghilev.

Marc Chagall (1887-1985) sticht na 1917 een kunstschool in Vitebsk, zijn geboortestad in Wit-Rusland. Zijn dromerige beeldtaal, bevolkt met zwevende violisten, vliegende koeien en dobberende bruiden, geeft de Russische kunst een poetische, mystieke dimensie. Vitebsk wordt een tweede haard van de avant-garde, waar tussen 1919 en 1922 ook El Lissitzky en Kazimir Malevitsj lesgeven. In diezelfde periode baant Michail Vroebel (1856-1910), de laatste grote Russische symbolist, met zijn Zittende Demon en Vliegende Demon de weg naar de moderniteit.

Het klimaat van dit decennium is uitgesproken internationaal. Russische schilders reizen, exposeren in Parijs, vertalen de Italiaanse futuristische manifesten en voeren polemiek in tijdschriften. Wanneer in 1914 de Eerste Wereldoorlog uitbreekt en in 1917 de Oktoberrevolutie plaatsvindt, is de Russische avant-garde technisch en theoretisch klaar om zich in dienst te stellen van een nieuw collectief project. Precies die beschikbaarheid maakt de spectaculaire overgang naar het constructivisme mogelijk.

Wat is het suprematisme van Malevitsj en het Zwarte Vierkant van 1915?

Het suprematisme is de kunststroming die Kazimir Malevitsj in 1915 grondvestte en die de suprematie van de pure gewaarwording boven de weergave van de zichtbare wereld voorstaat. Het kantelpunt is december 1915, tijdens de groepstentoonstelling 0,10 (Nul-Tien), georganiseerd in Petrograd door Ivan Poeni. Malevitsj toont er 39 non-objectieve doeken, waarvan het middelpunt tegenwoordig wereldberoemd is: het Zwarte Vierkant op witte achtergrond.

Het gebaar is radicaal. Malevitsj schildert een zwart vierkant in het midden van een wit vierkant doek, zonder context, zonder symbool, zonder onderwerp. Hij hangt het werk in de bovenhoek van de zaal, de plek die in orthodoxe huizen traditioneel voor iconen is voorbehouden. De boodschap is expliciet: het Zwarte Vierkant is een nieuwe icoon, de icoon van een moderniteit die alle figuratie heeft afgeschaft. In het bijbehorende manifest, Van kubisme naar suprematisme, schrijft Malevitsj dat de kunst zich bevrijdt "van de slavernij van de afbeelding" en dat kleur en pure vorm volstaan om de esthetische gewaarwording te dragen.

Verrassend weetje: het Zwarte Vierkant op witte achtergrond, geschilderd in 1915, is niet slechts een theoretisch manifest. De markt heeft de waarde ervan achteraf bevestigd. Een ander doek van de schilder, de Suprematistische compositie uit 1916, werd in 2008 bij Sotheby's New York geveild voor 60 miljoen dollar, destijds het record voor een Malevitsj op een publieke veiling, en een illustratie van het financiele gewicht dat internationale instellingen aan deze esthetische breuk toekennen.

De suprematistische reeks van 1915 stopt niet bij het Zwarte Vierkant. Malevitsj volgt in hetzelfde jaar met het Rode Vierkant, ondertiteld Picturaal realisme van een boerin in twee dimensies, het Zwarte Kruis en de Zwarte Cirkel. De logica is helder: de schilderkunst terugbrengen tot haar basiselementen (zuivere geometrische vorm, verzadigde kleur, perspectiefloze ruimte) om een maximale gewaarwordingsintensiteit te bereiken. In 1918 drijft Malevitsj deze radicalisering tot het uiterste met zijn Wit op wit, waarin een licht uit het midden geplaatst wit vierkant zich aftekent tegen een gebroken witte achtergrond.

Na 1922 houdt het suprematisme op een actieve haard te zijn. Malevitsj doceert aan het GINKhUK (Staatsinstituut voor Artistieke Cultuur) in Leningrad, leidt onderzoek naar architectoniek, en ziet zijn ateliers in 1926 gesloten worden. Eind jaren 1920 keert hij, in een steeds beklemmender politiek klimaat, paradoxaal genoeg terug naar de boerenfiguratie en schildert hij gezichtsloze boeren die een soort verkapt suprematistisch testament vormen. Hij sterft in mei 1935 in Leningrad en wordt, zoals hij had gewild, begraven in een suprematistische kist versierd met een zwart vierkant.

De erfenis van het suprematisme reikt veel verder dan de grenzen van de Russische kunst. Ze heeft rechtstreeks de grafische vormgeving van de twintigste eeuw beinvloed, de modernistische architectuur (De Stijl, Bauhaus), de mode (op het suprematisme geïnspireerde collecties in de jaren 1980 en 1990) en de naoorlogse Amerikaanse schilderkunst. Het Zwarte Vierkant blijft, meer dan een eeuw na de creatie ervan, een van de meest aangehaalde beelden uit de geschiedenis van de moderne kunst.

Het Russisch constructivisme van Tatlin en Rodtsjenko, 1917-1932

Het Russisch constructivisme is de kunststroming die tussen 1917 en 1932 de kunst in dienst van de revolutie stelt, waarbij de kunstenaar verandert in een ingenieur van de cultuur. Ontstaan in de Moskouse ateliers van het INKhUK (Instituut voor Artistieke Cultuur) en de VKhUTEMAS (Hogere Kunst- en Technische Werkplaatsen, opgericht in 1920), stelt de stroming een totale breuk voor met de traditionele status van het kunstwerk. De kunstenaar is niet langer een eenzame schilder, maar een producent van gebruiksvoorwerpen: affiches, boeken, meubels, kleding, architectuur, scenografie.

Drie technische begrippen structureren de beweging. De faktoera staat voor de nadrukkelijk rauwe textuur van het materiaal: hout blijft hout, metaal blijft metaal, de stof wordt niet gemaskeerd. De tektonika is de zichtbare bouwlogica van een object. De konstruktsia is de rationele organisatie van het object in functie van het gebruik ervan. Deze drie principes inspireren een hele generatie en worden later overgenomen door het Bauhaus van Walter Gropius in Duitsland.

De onderstaande tabel geeft een overzicht van de grote stromingen in de Russische kunst van de twintigste eeuw die in dit artikel aan bod komen:

Vladimir Tatlin (1885-1953) is de emblematische figuur van het architecturale constructivisme. In 1919-1920 ontwerpt hij het Monument voor de Derde Internationale, een gigantische spiraaltoren van staal en glas die hoger moest worden dan de Eiffeltoren en onderdak moest bieden aan de Komintern. Door gebrek aan technische middelen en politieke wil wordt het project na 1922 nooit gebouwd, maar de houten maquette die in november 1920 in Petrograd wordt tentoongesteld, wordt meteen een icoon. Tatlin werkt vanaf 1914 ook aan muurcontrareliefs en sluit zijn carriere af met de Letatlin, een op vogels geïnspireerd persoonlijk zweefvliegtuig.

Alexander Rodtsjenko (1891-1956) is de scharnierfiguur van het constructivisme. Eerst schilder, dan beeldhouwer, richt hij zich geleidelijk op grafisch ontwerp, fotografie en fotomontage. Zijn reclameaffiches voor Mosselprom (1923-1924), zijn boekomslagen voor uitgeverij Lengiz, zijn fotoreeks over de AMO-fabriek en zijn vogelperspectief-portretten worden wereldwijde referenties van de moderne grafische vormgeving. Samen met zijn levensgezellin Varvara Stepanova vormt Rodtsjenko een veelzijdig scheppend duo dat zich ook op textiel, theater en typografie richt.

El Lissitzky (1890-1941) is de brug tussen suprematisme en constructivisme. Als leerling van Malevitsj in Vitebsk ontwikkelt hij vanaf 1919 zijn Proun-reeks (Russisch acroniem voor "project ter bevestiging van het nieuwe"), axonometrische composities die geometrische volumes zwevend in een zwaartekrachtloze ruimte plaatsen. Lissitzky ontwerpt ook revolutionaire boekobjecten zoals Voor de stem (1923), een illustratie bij gedichten van Majakovski, en tekent belangrijke politieke affiches zoals Sla de Witten met de rode wig (1919-1920). Van 1921 tot 1925 woont hij in Berlijn, waar hij als bruggenbouwer optreedt tussen de Russische avant-garde en West-Europa.

Varvara Stepanova (1894-1958) en Ljoebov Popova (1889-1924) brengen het constructivisme naar textiel en werkkleding. Vanaf 1923 in dienst van de Tsindel-textielfabriek in Moskou ontwerpen ze geometrische motieven voor massaal geproduceerde stoffen. Alexandra Exter (1882-1949) werkt voor het Kamerny-theater en tekent avant-gardistische kostuums en decors, onder meer voor de sciencefictionfilm Aelita (1924). De constructivistische vrouwen vormen een zeldzaam voorbeeld van daadwerkelijke professionele gelijkheid binnen de wereldwijde avant-garde van de twintigste eeuw.

Vijf sleutelwerken van het Russisch constructivisme:

• Monument voor de Derde Internationale van Tatlin (1919-1920) - nooit gebouwde spiraaltoren, het architecturale manifest van de stroming.
• Rode hoek in het atelier van Rodtsjenko (1921) - reeks monochrome triptieken die het einde van de ezelschilderkunst aankondigt.
• Proun 99 van El Lissitzky (1924) - zwevende axonometrische compositie, getoond in Berlijn en New York.
• Textielcomposities van Stepanova en Popova (1923-1924) - geometrische motieven voor de Moskouse fabrieken.
• Omslag van Pro Eto van Rodtsjenko (1923) - fotomontage voor het gedicht van Majakovski, het schoolvoorbeeld van constructivistisch ontwerp.

Het Russisch constructivisme brokkelt vanaf 1932 af door een decreet van het Centraal Comite dat de onafhankelijke kunstenaarsgroepen ontbindt. Toch overleeft het als onderhuidse inspiratiebron voor het Bauhaus en voor de hele grafische moderniteit van de twintigste eeuw. Geen enkel hedendaags grafisch ontwerp valt te begrijpen zonder deze schuld aan Rodtsjenko en Lissitzky.

Wat is de Sovjetaffiche van de agitprop?

De Sovjetaffiche van de agitprop is het belangrijkste grafische medium dat na 1917 wordt uitgevonden om een grotendeels analfabete bevolking te mobiliseren, te onderrichten en te verenigen rond de boodschappen van de nieuwe macht. Het woord agitprop is een samentrekking van agitatie en propaganda, twee functies die in de bolsjewistische theorie van elkaar worden onderscheiden: agitatie is emotioneel en gebonden aan de actualiteit, propaganda is beargumenteerd en structureel. De affiche behoort vooral tot de agitatie. De actieve periode ervan loopt van 1917 tot 1953, met twee grote fasen: revolutionaire agitprop van 1917-1932 en socialistisch-realistische affiches van 1934-1953.

Dmitri Moor (1883-1946) is de grondlegger van de Sovjetaffiche. Al voor de revolutie actief als politiek karikaturist, wordt hij na 1917 de grote affichekunstenaar van de Russische burgeroorlog. Zijn Heb jij je al aangemeld als vrijwilliger? (1920), waarop een soldaat van het Rode Leger de toeschouwer met de vinger wijst tegen een industrieel-rode achtergrond, is een van de meest gekopieerde grafische sjablonen van de twintigste eeuw geworden.

Verrassend weetje: onder de beroemdste affiches van de Russische burgeroorlog werd Heb jij je al aangemeld als vrijwilliger? van Dmitri Moor (1920) alleen al tijdens dat conflict in 65.000 exemplaren gedrukt. Die massale verspreiding maakte er een icoon van in de wereldwijde beeldtaal van de propaganda: met zijn frontale kadrering en wijzende vinger liep de affiche vooruit op de veelverspreide Amerikaanse affiche I Want You van J.M. Flagg. Moor zette daarmee een grafische standaard die een halve eeuw lang werd overgenomen.

Vladimir Majakovski (1893-1930), futuristisch dichter, leidt samen met een team illustratoren tussen 1919 en 1921 de beroemde ROSTA-vensters. De ROSTA (het Russisch Telegraafagentschap) produceert sjabloonaffiches die in enkele uren worden getekend en opgehangen in de etalages van stations en overheidsgebouwen. In totaal worden er meer dan 1.500 ROSTA-vensters gemaakt, waarin slogan, karikatuur en verklarende schema's samenkomen. Majakovski tekent zelf meer dan 600 platen en is verantwoordelijk voor de meeste slogans.

Alexander Rodtsjenko werkt ook voor de affichekunst, maar op twee vlakken: commerciele reclame (campagnes voor Mosselprom, Lengiz, Dobrolet) in een uitgesproken constructivistische geest, en politieke fotomontage voor de tijdschriften LEF en Novy LEF. Gustav Klutsis (1895-1938) tilt de politieke fotomontage naar haar hoogtepunt met zijn uit foto's samengestelde portretten van Lenin en Stalin. Klutsis wordt tijdens de Grote Zuivering gearresteerd en in 1938 gefusilleerd, een tragisch einde dat hij deelt met verschillende figuren van het latere constructivisme.

El Lissitzky tekent met Sla de Witten met de rode wig (1919-1920) wellicht de beroemdste affiche van het politieke suprematisme: een rode driehoek doorboort een witte cirkel op een grijze achtergrond, de abstracte visuele vertaling van het conflict tussen het Rode Leger en de Witte legers. Het is een van de weinige voorbeelden wereldwijd van een volledig non-figuratieve politieke affiche die een populair succes werd.

Vanaf 1934 legt de doctrine van het socialistisch realisme een andere esthetiek op. De affiche blijft een belangrijk medium, maar keert terug naar de heroische figuratie. Irakli Toidze tekent in 1941 Het Moederland roept, het iconische beeld van de Grote Vaderlandse Oorlog waarop een vrouw met een strenge blik een geschreven militaire eed omhoogsteekt. Viktor Koretski specialiseert zich in de fotomontage-affiche van de Tweede Wereldoorlog. Van deze affiches worden tussen 1941 en 1945 vele miljoenen exemplaren verspreid.

Zo herken je een Sovjetaffiche van de agitprop op het eerste gezicht:

• Palet gedomineerd door rood, zwart en wit, soms met een accent van oker of industrieel grijs.
• Vette, geometrische cyrillische belettering, vaak in hoofdletters, vaak schuin.
• Dynamische diagonaal die de compositie van hoek tot hoek structureert.
• Heroische figuur, arbeider, soldate of boerin, met een blik gericht buiten beeld of naar de toeschouwer.
• Fotomontage of collage van bewerkte foto's, een terugkerend procede bij Rodtsjenko, Klutsis en Lissitzky.
• Kort, gebiedend opschrift, vervoegd in de tweede persoon (Jij, Jou, Kameraad).
• Kikvorsperspectief om de figuur groter te maken en er een monumentale dimensie aan te geven.

De Sovjetaffiche van de agitprop is vandaag een van de meest aangehaalde visuele bronnen van de hedendaagse grafische vormgeving, reclamedesign, mode en street art. De vormentaal ervan heeft zich ver buiten haar oorspronkelijke context verspreid.

Wat is het socialistisch realisme van 1934 tot 1953?

Het socialistisch realisme is de officiele esthetische doctrine die de Sovjetmacht vanaf 1934 oplegt en die alle kunsten een realistische, optimistische en heroische figuratie van Sovjetonderwerpen voorschrijft. De doctrine wordt in augustus 1934 op het Eerste Congres van Sovjetschrijvers geformuleerd door Andrej Zjdanov, en vervolgens via de statuten van de Unie van Sovjetkunstenaars uitgebreid naar de beeldende kunsten. De periode van strikte toepassing beslaat 1934-1953, het hele stalinisme dus.

Op formeel vlak schrijft het socialistisch realisme vier eisen voor. Eerste eis: realistische figuratie, terugkeer naar het klassieke perspectief, afwijzing van elke abstractie. Tweede eis: sociale en historische Sovjetonderwerpen (arbeiders, kolchozboeren, soldaten van het Rode Leger, leiders, taferelen uit de burgeroorlog en de Grote Vaderlandse Oorlog). Derde eis: historisch optimisme en verheerlijkend heroisme, zonder tragiek of twijfel. Vierde eis: onmiddellijke leesbaarheid voor elk publiek, ook analfabeten.

De breuk met de avant-gardes wordt officieel op 23 april 1932 met het decreet van het Centraal Comite Over de reorganisatie van de literaire en artistieke organisaties, dat alle onafhankelijke groepen ontbindt en de aansluiting bij een enkele, centrale Unie van Sovjetkunstenaars oplegt. Het constructivisme, het suprematisme en de OST (Genootschap van Ezelschilders) houden officieel op te bestaan. Kunstenaars die zich niet schikken, zien hun opdrachten verdwijnen of hun ateliers sluiten.

Alexander Dejneka (1899-1969) is wellicht de grootste schilder van het socialistisch realisme. Hij ontwikkelt een monumentale, geometrische maar figuratieve stijl, uitermate geschikt voor sportieve en militaire onderwerpen. De verdediging van Petrograd (1928, nog in de OST-periode), Donbas (1947) en De verdediging van Sebastopol (1942) behoren tot zijn beroemdste werken. Dejneka is ook mozaïekkunstenaar: hij tekent de monumentale mozaïeken van de Moskouse metro, met name die van metrostation Majakovskaja (1938).

Vera Moechina (1889-1953) zet met haar monumentale beeldhouwkunst haar stempel op het socialistisch realisme. Haar Arbeider en kolchozvrouw uit 1937, 24,5 meter hoog en uitgevoerd in roestvrij staal, bekroont het Sovjetpaviljoen op de Wereldtentoonstelling van Parijs in 1937, tegenover het Duitse paviljoen van Albert Speer. Het beeld wordt onmiddellijk een wereldicoon en is tot op vandaag het beeldmerk van filmstudio Mosfilm.

Isaak Brodski (1883-1939) is de officiele portretschilder van Lenin. Zijn doek Lenin in het Smolny-instituut (1930), dat Lenin toont terwijl hij op een witte bank zit in de bolsjewistische hoofdkwartierzaal in Petrograd, wordt in miljoenen exemplaren gereproduceerd als foto en affiche. Boris Ioganson (1893-1973) tekent scenes uit de burgeroorlog (Verhoor van de communisten, 1933) die referentiewerken worden in het Sovjetkunstonderwijs.

Vanaf de dood van Stalin in maart 1953 verslapt de toepassing van het socialistisch realisme geleidelijk. De dooi onder Chroesjtsjov, onder meer gemarkeerd door het geheime rapport van Chroesjtsjov op het Twintigste Partijcongres in 1956, opent ruimte voor minder verheerlijkende werken. De strenge groep (Nikolaj Andronov, Pavel Nikonov, Viktor Popkov) introduceert eind jaren 1950 een hardere, sobere figuratie die het Sovjetwerk in een realistisch daglicht toont, zonder systematische heroisering. Het socialistisch realisme, staatsdoctrine van 1934 tot 1953, wordt na 1956 een stijl naast andere en raakt uiteindelijk gemarginaliseerd ten voordele van de non-conformistische kunst.

Non-conformistische kunst en sots art na Stalin

Non-conformistische kunst omvat alle Sovjetkunstpraktijken die tussen 1953 en 1991 aan de rand van, of tegen, de officiele circuits van de Unie van Sovjetkunstenaars zijn ontstaan. Na de dood van Stalin en de dooi onder Chroesjtsjov beginnen kunstenaarskringen buiten de staatsstructuren om samen te komen, in Moskouse appartementen, ateliers in de buitenwijken, datsja's. In die semiclandestiene ruimtes wordt een nieuwe generatie Russische kunst geboren.

De school van Lianozovo, genoemd naar de Moskouse buitenwijk waar de kring vanaf het einde van de jaren 1950 samenkomt, verenigt Jevgeni Kropivnitski, Lev Kropivnitski, Oscar Rabin, Lidia Masterkova en Vladimir Nemoechin. Deze schilders ontwikkelen een ingetogen expressionistische abstractie, soms opgebouwd rond gevonden voorwerpen (oude dozen, sigarettenpakjes, administratieve documenten). Oscar Rabin wordt het boegbeeld van het non-conformisme en organiseert verschillende clandestiene tentoonstellingen.

De sots art ontstaat in de jaren 1970 en vormt de theoretisch meest uitgewerkte tak van de non-conformistische kunst. De term wordt in 1972 bedacht door Vitali Komar en Alexander Melamid, naar analogie met de Amerikaanse pop-art. Het principe: de visuele codes van het socialistisch realisme ironisch gebruiken om de leegte ervan bloot te leggen. Zo schilderen Komar en Melamid pseudo-officiele portretten van Stalin op bezoek bij de muzen (1981-1982), composities waarin Marx en Mickey Mouse samenkomen, en fictieve fotoreportages over het Sovjetleven.

Ilja Kabakov (1933-2023) is wellicht de internationaal meest erkende Russische kunstenaar van deze generatie. Vanaf de jaren 1970 ontwikkelt hij het Moskouse conceptualisme rond installaties die Sovjetgemeenschapsappartementen, administratieve kantoren en kinderkamers reconstrueren en omvormen tot totaalkunstwerken. Zijn reeks De man die vanuit zijn appartement de kosmos in vloog (1985) wordt vanaf de jaren 1990 tentoongesteld in de grootste instellingen ter wereld. Erik Boelatov (geboren in 1933) schildert Sovjetlandschappen overdekt met propagandaslogans in reusachtige letters, waarmee hij de zintuiglijke werkelijkheid tegenover de taal van de macht plaatst.

De meest symbolische gebeurtenis van de non-conformistische kunst blijft de Bulldozertentoonstelling van 15 september 1974 in Moskou. Een twintigtal niet-officiele kunstenaars (Oscar Rabin, Vladimir Nemoechin, Lidia Masterkova, Jevgeni Roechin, Komar en Melamid en anderen) organiseren een openluchttentoonstelling in de Moskouse wijk Beljajevo. Het stadsbestuur stuurt bulldozers en sproeiwagens om de tentoonstelling uiteen te drijven. De werken worden vernield, verschillende kunstenaars worden geslagen, en aanwezige buitenlandse journalisten brengen de gebeurtenis in de internationale pers. Onder diplomatieke druk staan de autoriteiten twee weken later een nieuwe, meer tolerante tentoonstelling toe in het Izmajlovopark. De Bulldozertentoonstelling vormt het keerpunt voor de internationale zichtbaarheid van de Sovjet non-conformistische kunst en effent de weg voor de westerse verkopen van de jaren 1980.

Na 1991 neemt de postsovjetische hedendaagse Russische kunst het over. Erik Boelatov, Ilja Kabakov, het collectief AES+F, Oleg Koelik, Vladimir Doebossarski en Alexander Vinogradov bereiken het internationale toneel. De recordverkopen bij Sotheby's, Phillips en Christie's in de jaren 2000-2010 bevestigen definitief de hedendaagse Russische kunst als een belangrijk segment van de wereldmarkt. De cirkel die in 1907 met Kandinsky begon, sluit zich honderd jaar later op een veelzijdige scene die tot de meest actieve van de hedendaagse creatie blijft behoren.

Hoe haal je de iconografie van de Russische en Sovjetkunst in huis?

De Russische kunst van de twintigste eeuw heeft een direct herkenbaar visueel erfgoed nagelaten - rood, zwart, wit, constructivistische geometrie, cyrillische belettering, hamer en sikkel, rode ster - dat de hedendaagse inrichting blijft inspireren. Of je nu verzamelaar, interieurontwerper, kunststudent of gewoon liefhebber van deze esthetiek bent, met verschillende soorten objecten haal je de Sovjet- en constructivistische beeldtaal in huis.

De hedendaagse communistische affiches vormen het middelpunt. Ze nemen de grafische codes van de agitprop van Moor, Rodtsjenko en Klutsis over: vlakke kleurpartijen, dynamische diagonaal, geometrische belettering, heroische figuur. Ingelijst of als losse poster vinden ze vanzelfsprekend hun plek op een grote woonkamerwand, in een bureau of in een creatief atelier. Het is het meest directe object om de erfenis van de Sovjetaffiche thuis tot leven te brengen.

Voor een duurzamere voortzetting van de constructivistische esthetiek nemen de metalen platen met constructivistische inspiratie de visuele taal over van de geëmailleerde industrieplaten uit de jaren 1920-1930. Middelgroot formaat, verouderde afwerking, motieven met hamer en sikkel of portretten van historische figuren. Ze passen goed in een retrokeuken, een hal of een leeshoek. De metalen korrel ervan roept rechtstreeks de constructivistische faktoera op die Rodtsjenko theoretiseerde.

Textiel is de meest alledaagse drager. De CCCP T-shirts met cyrillische belettering laten de vette belettering uit de jaren 1920 en 1930 herleven, exact dezelfde typografische stijl als die Stepanova ontwierp voor de Moskouse textielfabrieken. Het is een draagbare, ingetogen manier om een verwijzing naar de Russische kunst en het constructivistisch ontwerp te tonen. Voor hoofddeksels biedt de collectie petten en oesjanka's modellen geïnspireerd op civiele en militaire Sovjethoofddeksels.

Het meest herkenbare visuele icoon van de twintigste eeuw blijft de rode vlag. De USSR-vlaggen met hamer en sikkel herstellen het embleem dat in 1923 officieel werd aangenomen en tot 1991 behouden bleef. In muur- of zakformaat zijn ze het meest directe symbool van de Sovjet-beeldcultuur. Als aanvulling brengen de kussenhoezen met communistische motieven (historische gezichten, hamer en sikkel, gestileerde vlaggen) de Sovjet-beeldcultuur naar het meubilair en vinden ze hun plek op een bank of een leesfauteuil.

Om een bestaande selectie te vervolledigen, bieden de accessoires met Sovjetinspiratie (mokken, drinkbussen, tassen, stickers, sleutelhangers) een alledaagsere, bescheidener aanpak. Tot slot laten de sieraden met rode iconografie (pins, manchetknopen, broches met hamer en sikkel, hangers met rode ster) je een fragment van deze grafische traditie dragen.

Drie inrichtingsideeën om de Russische en Sovjetkunst thuis op te roepen:

• De affichegalerijmuur: drie of vier ingelijste affiches op een rij, palet rood-zwart-wit, formaat 50x70 cm, tegen een lichte muur om de constructivistische geometrie te laten uitkomen.
• De constructivistische bureauhoek: een metalen plaat opgehangen achter een houten bureau, een mok met Sovjeticonografie op tafel, een sleutelhanger met hamer en sikkel en enkele boeken over Russische kunst op een stapel.
• De capsulegarderobe: een CCCP T-shirt als basisstuk, een communistische pet als hoofddeksel, een tas met rode iconografie als accessoire. Drie stuks die volstaan om een samenhangende esthetische referentie te dragen.

Voor wie de compositie verder wil verfijnen, gelden twee nuttige principes. Houd vast aan het historische palet (dominant vermiljoenrood, accenten in zwart en wit, een of twee secundaire tinten oker of industrieel grijs). Beperk de symbolen tot een per stuk (hamer en sikkel OF rode ster OF CCCP, nooit alle drie samen op hetzelfde object) om een overdaad aan symboliek te vermijden.

Veelgestelde vragen over Russische kunst

Deze FAQ bundelt de zes meest gestelde vragen over de Russische kunst van de twintigste eeuw, met beknopte en historisch onderbouwde antwoorden.

Wat is Russische kunst en welke stromingen bepalen haar?

Russische kunst omvat de Russische en later Sovjetkunstproductie van de middeleeuwen tot vandaag. In de twintigste eeuw kent ze vier grote fasen: de Russische avant-garde (1907-1932) met Malevitsj, Tatlin en Rodtsjenko, het socialistisch realisme (1934-1953) opgelegd als staatsdoctrine, de dooi onder Chroesjtsjov (1953-1964) en de non-conformistische kunst (1960-1991) met de sots art en de school van Lianozovo. Voor de twintigste eeuw zijn er twee mijlpalen: de iconen van Roebljov (veertiende-vijftiende eeuw) en de Peredvizjniki van Repin in de negentiende eeuw.

Wie zijn de beroemdste Russische schilders?

Tien namen om te onthouden dekken de kern van de Russische kunst. Wassily Kandinsky (lyrische abstractie), Kazimir Malevitsj (suprematisme), Marc Chagall (onirisme), Vladimir Tatlin (architecturaal constructivisme), Alexander Rodtsjenko (fotomontage), El Lissitzky (Proun en boekobjecten), Natalia Gontsjarova (neoprimitivisme), Alexander Dejneka (monumentaal socialistisch realisme), Vera Moechina (monumentale beeldhouwkunst) en Ilja Kabakov (Moskous conceptualisme). Voor de voorgaande periode zijn dat Andrej Roebljov (iconen) en Ilja Repin (Peredvizjniki).

Wat zijn de kenmerken van het Russisch constructivisme?

Het Russisch constructivisme is een utilitaire kunstvorm die de kunstenaar tussen 1917 en 1932 verandert in een producent van maatschappelijke objecten. De belangrijkste kenmerken: fotomontage, strak geometrisme, typografische belettering, het palet rood-zwart-wit, faktoera (nadrukkelijk rauw materiaal), tektonika (zichtbare bouwlogica) en konstruktsia (rationele organisatie van het object). De kernfiguren zijn Tatlin, Rodtsjenko, Lissitzky, Stepanova en Popova. De VKhUTEMAS, het Russische equivalent van het Bauhaus, opgericht in 1920, vormen het centrale pedagogische broeinest.

Wanneer begon het socialistisch realisme in de USSR?

Het socialistisch realisme wordt officieel geformuleerd in augustus 1934, tijdens het Eerste Congres van Sovjetschrijvers. De doctrine wordt aangekondigd door Andrej Zjdanov en geleidelijk uitgebreid naar alle beeldende kunsten. De juridische breuk met de avant-gardes ligt echter eerder: op 23 april 1932 ontbindt het decreet van het Centraal Comite alle onafhankelijke kunstenaarsgroepen en legt het de aansluiting bij een enkele, centrale Unie van Sovjetkunstenaars op. Het socialistisch realisme blijft strikte staatsdoctrine tot de dood van Stalin in maart 1953.

Wat is de Russische avant-garde?

De Russische avant-garde is de generatie kunstenaars die tussen 1907 en 1932 de Russische kunst omvormt tot een wereldwijd experimenteel laboratorium. Ze omvat de lyrische abstractie van Kandinsky, het neoprimitivisme en rayonisme van Gontsjarova en Larionov, het suprematisme van Malevitsj en het constructivisme van Tatlin en Rodtsjenko. Gecentreerd rond Moskou, Sint-Petersburg en Vitebsk, gaat ze vooraf aan of wedijvert ze met de Parijse en Münchense avant-gardes. Het officiele einde ervan wordt gemarkeerd door het decreet van 23 april 1932 dat de onafhankelijke groepen ontbindt.

In welke musea kun je Russische kunst zien in Frankrijk?

Verschillende Parijse musea bieden rechtstreekse toegang tot Russische kunst. Het Centre Pompidou bewaart de belangrijkste collectie Russische kunst van de twintigste eeuw in Frankrijk, met werk van Kandinsky, Malevitsj, Rodtsjenko, Lissitzky en Chagall. Het Musee d'Orsay toont doeken van Ilja Repin en de Peredvizjniki. De Fondation Louis Vuitton organiseert geregeld tijdelijke tentoonstellingen over de Russische avant-gardes. Het Petit Palais herbergt werk van Chagall. Om deze historische onderdompeling ook thuis compleet te maken, biedt de catalogus met communistische affiches reproducties in de stijl van de Sovjetagitprop van de jaren 1920.