Russische Kunst: Panorama der russischen Kunst im 20. Jahrhundert

Die russische Kunst stellt einen der großen ästhetischen Brüche des 20. Jahrhunderts dar. Bevor Moskau und Sankt Petersburg zu Avantgarde-Laboren wurden, erlebte die russische Malerei zwei starke Momente: die Ikonen der Dreifaltigkeit von Andrei Rublev (Jahre 1410-1420) und der soziale Realismus von Straßengänger des 19. Jahrhunderts, wo Ilia Repin, Vassili Sourikov und Ivan Shishkin hervorstechen. Doch erst zwischen 1907 und 1991 vollzog die russische Kunst einen radikalen Modernismus und wurde zu einem globalen Labor und dann zu einer ikonografischen Matrix des Sowjetregimes. Dieser Artikel entfaltet die Chronologie rund um vier entscheidende Daten: 1915 und Malewitschs Schwarzes Quadrat, 1917 und die Oktoberrevolution, 1934 und die Lehre des sozialistischen Realismus, 1991 und die Auflösung der UdSSR. Avantgarde, Suprematismus, Konstruktivismus, sozialistischer Realismus, sowjetische Plakate und nonkonformistische Kunst: Sechs Strömungen, um zu verstehen, wie die russische Kunst die Sichtweise des 20. Jahrhunderts veränderte.

Was ist russische Kunst und wie wird sie im 20. Jahrhundert definiert?

Unter russischer Kunst versteht man die malerische, grafische, skulpturale und architektonische Produktion auf russischem und dann sowjetischem Territorium vom Mittelalter bis heute. Um die russische Kunst des 20. Jahrhunderts zu verstehen, müssen wir zunächst ihre beiden historischen Wurzeln ausfindig machen. Das erste stammt aus Russische byzantinische Ikonen des 14. und 15. Jahrhunderts, darunter Andrej Rubljow ist die zentrale Figur mit ihrer um 1411 gemalten Dreifaltigkeit. Die zweite entstand später aus der Gesellschaft von Krankenwagen gegründet im Jahr 1870, die Ilia Repin, Vassili Sourikov, Ivan Kramskoi und Ivan Shishkin um einen engagierten und nationalen sozialen Realismus herum vereint.

Der Übergang ins 20. Jahrhundert markiert einen raschen Umbruch. In nur wenigen Jahren entwickelte sich die russische Malerei aus der akademischen Welt zu einem globalen Zentrum der Avantgarde. Die Chronologie der russischen Kunst im 20. Jahrhundert wird dann in vier Hauptphasen unterteilt:

• 1907-1932: avantgardistisches Aufbrausen, Suprematismus und Konstruktivismus, russische Kunst auf dem Höhepunkt der Weltmoderne.
• 1934-1953: Der sozialistische Realismus fordert als Staatsdoktrin die Abschottung gegenüber formalen Experimenten.
• 1953-1964: Chruschtschowisches Tauwetter, relative Öffnung, Wiederauftauchen inoffizieller Kunst.
• 1965-1991: Sots-Kunst, Lianozovo-Schule, Moskauer Konzeptualismus, vollständig konsolidierte nonkonformistische russische Kunst.

Diese vier Phasen sind nicht wasserdicht. Die gleiche Künstlergeneration durchläuft manchmal mehrere Phasen: Malewitsch malt seine Schwarzes Quadrat im Jahr 1915 und starb 1935, nachdem der Suprematismus offiziell an den Rand gedrängt worden war. Rodtschenko begann 1917 als reiner Konstruktivist und endete in den 1940er Jahren als halboffizieller Fotograf. Russische Kunst kann daher sowohl in Biografien als auch in Bewegungen gelesen werden.

Wie revolutionierte die russische Avantgarde zwischen 1907 und 1917 die Kunst?

Als russische Avantgarde bezeichnet man die Generation von Künstlern, die zwischen 1907 und 1917 die russische Kunst in ein Versuchslabor verwandelten, das mit Paris und München konkurrierte. Die vorrevolutionären Jahre waren aufregende Jahre: Ausstellungen in Moskau, Messen in Sankt Petersburg, Manifeste, aufeinanderfolgende Brüche zwischen Gruppen (Karobube 1910, Queue d'ane 1912, Cible 1913, La Cravate d'ane 1914). Innerhalb eines Jahrzehnts absorbierte die russische Kunst Postimpressionismus, Fauvismus, Kubismus und Futurismus und übertraf sie dann.

Wassili Kandinsky (1866-1944) nimmt eine besondere Stellung ein. Nach seiner Ausbildung in München veröffentlichte er 1911 seinen Hauptaufsatz: Über das Spirituelle in der Kunst, wo er die lyrische Abstraktion verteidigt. Seine Kompositionen und Improvisationen aus den Jahren 1910-1913 zählen zu den ersten nichtfigurativen Gemälden in der Geschichte der Weltkunst. Kandinsky kehrte 1914 nach Russland zurück, übernahm ab 1917 Lehrtätigkeiten und verließ das Land 1921 endgültig, um sich dem Bauhaus in Weimar anzuschließen.

In Moskau das Paar Natalia Gontscharowa (1881-1962) und Michail Lariontow (1881-1964) begründete nacheinander den Neoprimitivismus und den Rayonismus. Der Neoprimitivismus beansprucht populäre russische Quellen, Lubki (Bauerndrucke), Kaufmannsschilder und ländliche Ikonen. Der Rayonismus, der 1913 von Lariontov theoretisiert wurde, zerlegt das Sichtbare in Lichtstrahlen und nimmt bestimmte Aspekte der westlichen Abstraktion vorweg. Goncharova arbeitet auch als Dekorateurin für Diaghilews Ballets Russes in Paris.

Marc Chagall (1887-1985) gründete nach 1917 eine Kunstschule in Witebsk, seiner Heimatstadt in Weißrussland. Seine traumhafte Sprache, bevölkert von fliegenden Geigern, fliegenden Kühen und schwebenden Bräuten, verleiht der russischen Kunst eine poetische und mystische Dimension. Witebsk wurde zu einem sekundären Zentrum der Avantgarde, wo zwischen 1919 und 1922 auch El Lissitzky und Kasimir Malewitsch lehrten. Michail Wrubel (1856-1910), der letzte große russische Symbolist, ebnete mit seinen sitzenden Dämonen und seinen Dämonen im Flug den Weg zur Moderne.

Das Klima dieses Jahrzehnts ist entschieden international. Russische Maler reisen, stellen in Paris aus, übersetzen italienische futuristische Manifeste, polemisieren in Zeitschriften. Wenn die Erster Weltkrieg Nach dem Ausbruch der Revolution im Jahr 1914 und der Oktoberrevolution im Jahr 1917 war die russische Avantgarde technisch und theoretisch bereit, sich in den Dienst eines neuen kollektiven Projekts zu stellen. Es ist diese Verfügbarkeit, die den spektakulären Übergang zum Konstruktivismus ermöglichen wird.

Was ist Malewitsch-Suprematismus und das Schwarze Quadrat von 1915?

Suprematismus ist die 1915 von Kasimir Malewitsch begründete ästhetische Bewegung, die die Vorherrschaft der reinen Empfindung über die Darstellung der sichtbaren Welt beansprucht. Das entscheidende Datum ist Dezember 1915, während der Gemeinschaftsausstellung 0,10 (Null-Zehn) organisiert in Petrograd von Ivan Pougny. Malevitch präsentiert 39 gegenstandslose Gemälde, von denen das zentrale Werk heute weltberühmt ist: das Schwarzes Quadrat auf weißem Hintergrund.

Die Geste ist radikal. Malewitsch malt ein schwarzes Quadrat in die Mitte einer weißen quadratischen Leinwand, ohne Kontext, ohne Symbol, ohne Thema. Er hängt das Werk in der oberen Ecke des Raumes, einem Platz, der in orthodoxen Häusern traditionell russischen Ikonen vorbehalten ist. Die Botschaft ist eindeutig: Das Schwarze Quadrat ist ein neues Symbol, die Ikone einer Moderne, die sich jeder Figuration entledigt hat. In dem zu diesem Anlass veröffentlichten Manifest heißt es: Vom Kubismus zum SuprematismusMalewitsch schreibt, dass sich die Kunst „von der Sklaverei der Darstellung“ befreit und dass Farbe und reine Form ausreichen, um die ästhetische Empfindung zu vermitteln.

Überraschungsergebnis: Das Schwarze Quadrat auf weißem Grund, gemalt im Jahr 1915, ist nicht nur ein theoretisches Manifest. Der Markt hat seinen Wert im Nachhinein erkannt. Eine weitere Leinwand des Malers, der Suprematistische Komposition von 1916, wurde verliehen 60 Millionen Dollar bei Sotheby's New York im Jahr 2008, stellte dann den Rekord für einen Malewitsch-Verkauf auf und verdeutlichte das finanzielle Gewicht, das internationale Institutionen diesem ästhetischen Bruch beimessen.

Die suprematistische Sequenz von 1915 endet nicht beim Schwarzen Quadrat. Malewitsch fuhr im selben Jahr mit dem fort Rotes Quadrat Untertitel Bildrealismus einer Bäuerin in zwei Dimensionen, der Schwarzes Kreuz und die Schwarzer Kreis. Die Logik ist klar: Reduzieren Sie die Malerei auf ihre primären Elemente (reine geometrische Form, gesättigte Farbe, nicht-perspektivischer Raum), um maximale sensible Intensität zu erreichen. Im Jahr 1918 trieb Malewitsch die Radikalisierung mit seinem Weiß auf Weiß, wo ein leicht außermittiges weißes Quadrat auf einem cremefarbenen Hintergrund zu sehen ist.

Nach 1922 war der Suprematismus kein aktiver Schwerpunkt mehr. Malewitsch unterrichtet an GINKhUK (Staatliches Institut für künstlerische Kultur) in Leningrad, leitete Forschungen zur Architektur, doch seine Werkstätten wurden 1926 geschlossen. Ende der 1920er Jahre kehrte er in einem zunehmend eingeschränkten politischen Klima paradoxerweise zur bäuerlichen Figuration zurück und malte gesichtslose Bauern, die eine Art getarntes suprematistisches Testament darstellen. Er starb im Mai 1935 in Leningrad und wurde seinem Wunsch entsprechend in einem supremacistischen Sarg begraben, der mit einem schwarzen Quadrat verziert war.

Das Erbe des Suprematismus geht weit über die Grenzen der russischen Kunst hinaus. Es beeinflusste direkt das Grafikdesign des 20. Jahrhunderts, die modernistische Architektur (De Stijl, Bauhaus), die Mode (suprematistisch inspirierte Kollektionen in den 1980er und 1990er Jahren) und die amerikanische Nachkriegsmalerei. Das Schwarze Quadrat ist auch mehr als ein Jahrhundert nach seiner Entstehung eines der am häufigsten zitierten Bilder in der Geschichte der modernen Kunst.

Russischer Konstruktivismus von Tatlin und Rodtschenko 1917-1932

Der russische Konstruktivismus ist die ästhetische Bewegung, die zwischen 1917 und 1932 die Kunst in den Dienst der Revolution stellte, indem sie den Künstler in einen Kulturingenieur verwandelte. Erschien in den Moskauer Werkstätten von INKhUK (Institut für künstlerische Kultur) und VKhUTEMAS (Ateliers supérieurs d'art et de Technique, gegründet 1920) schlägt es einen völligen Bruch mit dem traditionellen Status des Kunstwerks vor. Der Künstler ist kein einsamer Maler mehr, er ist Produzent von Gebrauchsgegenständen: Plakate, Bücher, Möbel, Kleidung, Architektur, Szenografie.

Drei technische Konzepte strukturieren die Bewegung. Dort Fakten bezeichnet die beanspruchte Rohbeschaffenheit des Materials: Holz bleibt Holz, Metall bleibt Metall, wir verkleiden das Material nicht. Dort Tektonika ist die sichtbare Konstruktionslogik eines Objekts. Dort Konstruktion ist die rationale Organisation des Objekts entsprechend seiner Verwendung. Diese drei Prinzipien inspirierten eine ganze Generation und wurden später vom Bauhaus von Walter Gropius in Deutschland aufgegriffen.

Die folgende Tabelle fasst die wichtigsten Bewegungen in der russischen Kunst des 20. Jahrhunderts zusammen, die in diesem Artikel behandelt werden:

Wladimir Tatlin (1885-1953) ist die symbolträchtige Figur des architektonischen Konstruktivismus. In den Jahren 1919-1920 entwarf er das Denkmal für die Dritte Internationale, ein gigantischer Spiralturm aus Stahl und Glas, der den Eiffelturm übertreffen und die Komintern beherbergen sollte. Das Projekt wurde aus Mangel an technischen Mitteln und politischem Willen nach 1922 nie realisiert, aber das im November 1920 in Petrograd ausgestellte Holzmodell wurde sofort zu einer Ikone. Tatlin arbeitete ab 1914 auch an Wandreliefs und beendete seine Karriere mit dem Entwurf der Letatline, einem individuellen, von Vögeln inspirierten Segelflugzeug.

Alexander Rodtschenko (1891-1956) ist der zentrale Künstler des Konstruktivismus. Als Maler und Bildhauer wandte er sich nach und nach dem Grafikdesign, der Fotografie und der Fotomontage zu. Seine Werbeplakate für die Mosselprom (1923-1924), seine Buchumschläge für den Verlag Lenguiz, seine Fotoserie über die AMO-Fabrik und seine hochwinkelig gerahmten Porträts werden zu weltweiten Referenzen in der modernen Grafik. Rodchenko bildet mit seiner Partnerin Varvara Stepanova ein vielseitiges Künstlerpaar, das sich mit Textilien, Theater und Typografie beschäftigt.

El Lissitzky (1890-1941) ist die Brücke zwischen Suprematismus und Konstruktivismus. Als Schüler Malewitschs in Witebsk entwickelte er ab 1919 dessen Serie Proun (Russisches Akronym für „Projekte zur Bestätigung des Neuen“), axonometrische Kompositionen, die geometrische Volumen in einem Raum ohne Schwerkraft schweben lassen. Lissitzky entwirft auch revolutionäre Buchobjekte wie Für die Stimme (1923), Illustration von Gedichten von Maiakovsky, und signierte wichtige politische Plakate wie Schlagen Sie Weiß mit dem Red Wedge (1919-1920). Er lebte von 1921 bis 1925 in Berlin und fungierte als Vermittler zwischen der russischen Avantgarde und Westeuropa.

Warwara Stepanowa (1894-1958) und Ljubow Popowa (1889-1924) orientierte den Konstruktivismus auf Textilien und Arbeitskleidung. Sie wurden 1923 in der Textilfabrik Tsindel in Moskau eingestellt und entwarfen geometrische Muster für Massenstoffe. Alexandra Exter (1882-1949) arbeitete für das Kamerny-Theater und entwarf avantgardistische Kostüme und Bühnenbilder, insbesondere für den Science-Fiction-Film Aelita (1924). Konstruktivistische Frauen stellen einen seltenen Fall effektiver beruflicher Gleichstellung in der globalen Avantgarde des 20. Jahrhunderts dar.

Fünf Hauptwerke des russischen Konstruktivismus, die man kennen sollte:

• Denkmal für die Dritte Internationale von Tatlin (1919-1920) - Spiralturm nie gebaut, architektonisches Manifest der Bewegung.
• Rote Ecke in der Werkstatt von Rodtschenko (1921) - Serie monochromer Triptychen, die das Ende der Staffeleimalerei ankündigen.
• Proun 99 von El Lissitzky (1924) - schwebende axonometrische Komposition, ausgestellt in Berlin und New York.
• Textilkompositionen von Stepanowa und Popowa (1923-1924) - geometrische Muster für Moskauer Fabriken.
• Cover von Pro Eto von Rodtschenko (1923) - Fotomontage zu Majakowskis Gedicht, kanonisches Beispiel konstruktivistischen Designs.

Der russische Konstruktivismus zerfiel ab 1932 durch ein Dekret des Zentralkomitees, das unabhängige Künstlergruppen auflöste. Es bleibt jedoch als Untergrundinspiration für das Bauhaus und die gesamte grafische Moderne des 20. Jahrhunderts bestehen. Ohne diese Verpflichtung gegenüber Rodtschenko und Lissitzky ist kein zeitgenössisches Grafikdesign denkbar.

Was ist das sowjetische Agitprop-Plakat?

Das sowjetische Agitprop-Plakat ist das wichtigste grafische Medium, das nach 1917 erfunden wurde, um eine weitgehend ungebildete Bevölkerung für die Botschaften der neuen Macht zu mobilisieren, aufzuklären und zu vereinen. Das Wort Agitprop ist die Zusammenziehung von Agitation und Propaganda, zwei Funktionen, die in der bolschewistischen Theorie unterschieden werden: Agitation ist emotional und situativ, Propaganda ist argumentativ und strukturell. Auf dem Plakat geht es vor allem um Agitation. Seine aktive Zeit erstreckt sich von 1917 bis 1953, mit zwei Hauptphasen: revolutionärer Agitprop 1917-1932 und sozialistisch-realistisches Plakat 1934-1953.

Dmitri Moor (1883-1946) ist der Begründer des sowjetischen Plakats. Als politischer Karikaturist vor der Revolution wurde er nach 1917 zum großen Aushängeschild des russischen Bürgerkriegs. Ihr Waren Sie ehrenamtlich tätig? (1920), auf dem ein Soldat der Roten Armee vor einem industriellen roten Hintergrund auf den Betrachter zeigt, ist zu einer der am häufigsten kopierten grafischen Vorlagen des 20. Jahrhunderts geworden.

Überraschungsergebnis: eines der berühmtesten Plakate des russischen Bürgerkriegs, Haben Sie sich ehrenamtlich gemeldet? von Dmitri Moor (1920) war gedruckt in 65.000 Exemplaren allein während des Bürgerkriegs. Diese massive Verbreitung machte es zu einer Ikone der visuellen Sprache der Weltpropaganda und nahm durch seine Fronteinrahmung und seinen Zeigefinger das amerikanische Plakat „I Want You“ von J.M. Flagg in seiner weit verbreiteten Version vorweg. Damit setzte Moor einen grafischen Standard, der ein halbes Jahrhundert lang Anwendung fand.

Wladimir Majakowski (1893-1930), futuristischer Dichter, inszenierte mit einem Team von Illustratoren den berühmten ROSTA-Fenster zwischen 1919 und 1921. ROSTA (Russische Telegraphenagentur) produzierte Schablonenplakate, die in wenigen Stunden gezeichnet und in den Fenstern von Bahnhöfen und Verwaltungszentralen angebracht wurden. Insgesamt mehr als 1.500 ROSTA-Fenster Es entstehen Slogans, Karikaturen und erläuternde Diagramme. Maiakowski selbst zeichnete mehr als 600 Tafeln und signierte die meisten Slogans.

Alexander Rodtschenko agiert auch im Plakat, allerdings aus zwei Blickwinkeln: der kommerzielle Werbung (Kampagnen von Mosselprom, Lenguiz, Dobrolet) mit einem offen konstruktivistischen Geist, und die politische Fotomontage für die Zeitschriften LEF und Novy LEF. Gustav Klutsis (1895-1938) brachte die politische Fotomontage mit seinen aus Fotografien rekonstruierten Porträts von Lenin und Stalin auf den Höhepunkt. Klutsis wurde während der Großen Säuberungen verhaftet und 1938 erschossen, ein tragisches Ende, das mehreren Figuren des Spätkonstruktivismus gemeinsam war.

El Lissitzky signiert das wohl berühmteste Plakat des politischen Suprematismus mit Schlagen Sie Weiß mit dem Red Wedge (1919-1920): Ein rotes Dreieck durchdringt einen weißen Kreis auf grauem Hintergrund, eine abstrakte visuelle Übersetzung des Konflikts zwischen der Roten Armee und den Weißen Armeen. Es ist eines der weltweit seltenen Beispiele für ein völlig ungegenständliches politisches Plakat, das in der Bevölkerung großen Erfolg hatte.

Ab 1934 erzwang die Doktrin des sozialistischen Realismus eine andere Ästhetik. Das Plakat bleibt ein wichtiges Medium, findet aber eine heroische Figuration. Iraklii Toidze 1941 unterzeichnet Das Mutterland ruft, kanonisches Bild des Großer Vaterländischer Krieg oder eine Frau mit ernstem Gesicht schwenkt das Manuskript eines militärischen Eides. Viktor Koretsky ist auf Fotomontageplakate aus dem Zweiten Weltkrieg spezialisiert. Zwischen 1941 und 1945 wurden mehrere Millionen Exemplare dieser Plakate verteilt.

Hier ist die Checkliste zum Erkennen eines sowjetischen Agitprop-Plakats anhand des Auges:

• Die Palette wird von Rot, Schwarz und Weiß dominiert, manchmal mit einem Ocker oder einem Industriegrau als Akzent.
• Fetter und geometrischer kyrillischer Schriftzug, oft in Großbuchstaben, oft schräg.
• Dynamische Diagonale was die Komposition von einer Ecke zur anderen strukturiert.
• heroische Figur Ob Arbeiter, Soldat oder Bauer, der Blick richtet sich entweder ins Off oder auf den Betrachter.
• Fotomontage oder Collage aus retuschierten Fotografien, die bei Rodtschenko, Klutsis und Lissitzky wiederkehrt.
• Kurzer und zwingender Slogan, konjugiert in der zweiten Person (Tu, Toi, Kamerad).
• Rahmen mit niedrigem Winkel den Charakter wachsen zu lassen und ihm eine monumentale Dimension zu verleihen.

Das sowjetische Agitprop-Plakat ist heute eine der am häufigsten zitierten visuellen Quellen zeitgenössischer Grafik, Werbedesign, Mode und Street Art. Seine Formensprache hat sich weit über seinen ursprünglichen Kontext hinaus verbreitet.

Was ist der sozialistische Realismus von 1934 bis 1953?

Der sozialistische Realismus ist die offizielle ästhetische Doktrin der Sowjetmacht ab 1934, die allen Künsten eine realistische, optimistische und heroische Darstellung sowjetischer Subjekte vorschreibt. Die Lehre wird während des formuliert Erster Kongress sowjetischer Schriftsteller im August 1934 von Andrei Schdanow und dann durch die Satzung des Verbandes sowjetischer Künstler auf die bildende Kunst ausgeweitet. Die strenge Bewerbungsfrist umfasst 1934-1953oder der gesamte Stalinismus.

Auf formaler Ebene schreibt der sozialistische Realismus vier Anforderungen vor. Erste Voraussetzung: realistische Darstellung, Rückkehr zur klassischen Perspektive, Ablehnung jeglicher Abstraktion. Zweite Voraussetzung: Sowjetische soziale und historische Themen (Arbeiter, Kollektivbauern, Soldaten der Roten Armee, Führer, Schauplätze des Bürgerkriegs und des Großen Vaterländischen Krieges). Dritte Voraussetzung: Historischer Optimismus und verherrlichendes Heldentum, ohne Tragödie oder Zweifel. Vierte Anforderung: sofortige Lesbarkeit von allen Zielgruppen, auch von Analphabeten.

Der Bruch mit der Avantgarde wurde offiziell gemacht 23. April 1932 durch Beschluss des Zentralkomitees Zur Neuorganisation literarischer und künstlerischer Gruppen, die alle unabhängigen Gruppen auflöst und die Mitgliedschaft in a vorschreibt Union sowjetischer Künstler einzigartig. Konstruktivismus, Suprematismus, die OST (Gesellschaft der Staffeleimaler) gibt es offiziell nicht mehr. Künstler, die sich nicht anschließen, sehen, dass ihre Aufträge verschwinden oder ihre Werkstätten geschlossen werden.

Alexandre Deineka (1899-1969) ist wahrscheinlich der größte Maler des sozialistischen Realismus. Er entwickelte einen monumentalen, geometrischen, aber figurativen Stil, der sich besonders für sportliche und militärische Themen eignete. Die Verteidigung Petrograds (1928, damals in der OST-Phase), Donbass (1947), Die Verteidigung von Sebastopol (1942) gehören zu seinen berühmtesten Werken. Deineka ist auch Mosaizist: Er signierte die monumentalen Mosaike der Moskauer U-Bahn, insbesondere die der Station Maiakovskaia (1938).

Vera Muchina (1889-1953) prägte mit seiner monumentalen Skulptur den sozialistischen Realismus. Ihr Arbeiter und Kollektivarbeiter aus dem Jahr 1937, aus Edelstahl mit einer Höhe von 24,5 Metern, krönt den sowjetischen Pavillon desPariser Weltausstellung 1937, gegenüber dem Deutschen Pavillon von Albert Speer. Die Skulptur wurde sofort zu einer weltweiten Ikone und ist bis heute das Wahrzeichen der Mosfilm-Filmstudios.

Isaac Brodsky (1883-1939) ist der offizielle Porträtist Lenins. Seine Leinwand Lenin im Smolny (1930), das Lenin auf einem weißen Sofa im bolschewistischen Lehrerzimmer in Petrograd zeigt, wird in Millionen von Exemplaren auf Fotografien und Postern reproduziert. Boris Ioganson (1893-1973) signiert Szenen aus dem Bürgerkrieg (Verhör von Kommunisten, 1933), die zu Referenzen in der sowjetischen künstlerischen Ausbildung wurden.

Seit dem Tod Stalins im März 1953 ließ die Anwendung des sozialistischen Realismus allmählich nach. DER Chruschtschowisches Tauwetter, insbesondere geprägt durch Chruschtschows Geheimbericht an den 20. Parteitag 1956, eröffnet einen Raum der Toleranz für weniger glorifizierende Werke. DER schwere Gruppe (Nikolai Andronov, Pavel Nikonov, Viktor Popkov) führte Ende der 1950er Jahre eine härtere, strengere Darstellung ein, die die sowjetische Arbeit in einem realistischen Licht ohne systematische Heroisierung zeigte. Der Sozialistische Realismus, eine staatliche Doktrin von 1934 bis 1953, wurde nach 1956 zu einem Stil unter anderen und wurde schließlich zugunsten der nonkonformistischen Kunst an den Rand gedrängt.

Nonkonformistische Kunst und dumme Kunst nach Stalin

Nonkonformistische Kunst bezieht sich auf alle sowjetischen künstlerischen Praktiken, die zwischen 1953 und 1991 am Rande oder gegen die offiziellen Kreise der Union Sowjetischer Künstler entstanden sind. Nach dem Tod Stalins und dem Tauwetter Chruschtschows begannen sich Künstlerkreise außerhalb staatlicher Strukturen, in Moskauer Wohnungen, Vorstadtwerkstätten und Datschen, zu treffen. In diesen halbgeheimen Räumen entsteht eine neue Generation russischer Kunst.

L'Lianozovo-Schule, benannt nach dem Moskauer Vorort, in dem der Kreis ab Ende der 1950er Jahre stattfand, vereint Jewgeni Kropiwnizki, Lew Kropiwnizki, Oscar Rabine, Lydia Masterkowa und Wladimir Nemukhine. Diese Maler entwickeln eine dezente expressionistische Abstraktion, teilweise unterstützt durch Fundstücke (alte Schachteln, Zigarettenschachteln, Verwaltungsdokumente). Oscar Rabine wurde zur Leitfigur des Nonkonformismus und organisierte mehrere Geheimausstellungen.

DER Narren Kunst erschien in den 1970er Jahren und stellt den am stärksten theoretisch konstituierten Zweig der nonkonformistischen Kunst dar. Der Begriff wurde geprägt von Vitali Komar und Alexandre Melamid 1972, in Analogie zur amerikanischen Pop-Art. Das Prinzip: Die visuellen Codes des sozialistischen Realismus ironisch nutzen, um deren Leere darzustellen. Komar und Melamid malen so falsche offizielle Porträts von Stalin, der von den Musen besucht wurde (1981-1982), Kompositionen, in denen Marx und Mickey gemischt sind, fiktive fotografische Berichte über das Leben in der Sowjetunion.

Ilja Kabakow (1933-2023) ist wahrscheinlich der international anerkannteste russische Künstler dieser Generation. Ab den 1970er Jahren entwickelte er das Moskauer Konzeptualismus rund um Installationen, die sowjetische Gemeinschaftswohnungen, Verwaltungsbüros und Kinderzimmer nachbilden und in Gesamtwerke verwandeln. Seine Serie Der Mann, der aus seiner Wohnung in den Kosmos flog (1985) wird seit den 1990er Jahren in den größten Institutionen der Welt ausgestellt. Eric Bulatov (geb. 1933) malt sowjetische Landschaften, überlagert mit Propagandaparolen in riesigen Lettern, die sensible Realität und die Sprache der Macht in ein Spannungsverhältnis bringen.

Das symbolträchtigste Ereignis der nonkonformistischen Kunst bleibt dasBulldozer-Ausstellung am 15. September 1974 in Moskau. Ungefähr zwanzig inoffizielle Künstler (Oscar Rabine, Vladimir Nemoukhine, Lydia Masterkova, Yevgueni Roukhine, Komar und Melamid und andere) organisieren eine Open-Air-Ausstellung im Moskauer Stadtteil Beliayevo. Die Gemeinde schickt Bulldozer und Sprinklerwagen, um die Belastung zu zerstreuen. Die Werke werden zerstört, mehrere Künstler geschlagen, anwesende ausländische Journalisten berichten über das Ereignis in der internationalen Presse. Unter diplomatischem Druck genehmigten die Behörden zwei Wochen später eine neue, tolerantere Ausstellung im Ismailowski-Park. Die Bulldozer-Ausstellung markiert den Wendepunkt in der internationalen Sichtbarkeit sowjetischer nonkonformistischer Kunst und ebnet den Weg für westliche Verkäufe in den 1980er Jahren.

Nach 1991 übernahm die zeitgenössische postsowjetische russische Kunst die Oberhand. Erik Boulatov, Ilya Kabakov, das Kollektiv AES+F, Oleg Koulik, Vladimir Dubossarski und Alexandre Vinogradov erreichen die internationale Bühne. Rekordverkäufe bei Sotheby's, Phillips und Christie's in den Jahren 2000-2010 etablieren die russische zeitgenössische Kunst endgültig als ein wichtiges Segment des Weltmarktes. Die Schleife, die 1907 mit Kandinsky begann, endet hundert Jahre später mit einer pluralistischen Szene, die nach wie vor zu den aktivsten im zeitgenössischen Schaffen zählt.

Wie kann man die Ikonographie der russischen und sowjetischen Kunst zu Hause reproduzieren?

Die russische Kunst des 20. Jahrhunderts hinterließ ein sofort erkennbares visuelles Erbe - Rot, Schwarz, Weiß, konstruktivistische Geometrien, kyrillische Schrift, Hammersichel, roter Stern - das bis heute die zeitgenössische Dekoration inspiriert. Ganz gleich, ob Sie Sammler, Dekorateur, Kunststudent oder einfach ein Liebhaber dieser Ästhetik sind, mehrere Kategorien von Objekten ermöglichen es Ihnen, die sowjetische und konstruktivistische Bildsprache zu Hause zu erweitern.

DER zeitgenössische kommunistische Plakate sind das Drehstück. Sie greifen die grafischen Codes des Agitprops von Moor, Rodtchenko und Klutsis auf: flächige Farbflächen, dynamische Diagonale, geometrische Schrift, heroische Figur. Gerahmt oder im freien Posterformat finden sie selbstverständlich ihren Platz an einer großen Wohnzimmerwand, im Büro oder in einer Kreativwerkstatt. Es ist das direkteste Objekt, um das Erbe des sowjetischen Plakats zu Hause zum Leben zu erwecken.

Um die konstruktivistische Ästhetik in eine dauerhaftere Form zu erweitern, wurde die konstruktivistisch inspirierte Metallplatten greifen das visuelle Vokabular emaillierter Industrieteller der 1920er-1930er Jahre auf. Mittelformat, gealterte Oberfläche, Sichelhammermuster oder Porträts historischer Persönlichkeiten. Sie passen gut in eine Retro-Küche, einen Eingangsbereich oder eine Leseecke. Ihre metallische Maserung erinnert direkt an die von Rodtschenko theoretisierte konstruktivistische Faktura.

Textilien sind die alltäglichen Hilfsmittel. DER CCCP-T-Shirts mit kyrillischem Schriftzug Reaktivieren Sie die aus den 1920er und 1930er Jahren übernommene fette Schrift, genau den gleichen typografischen Stil, den Stepanowa für die Moskauer Textilfabriken entworfen hat. Es ist eine tragbare und diskrete Möglichkeit, einen Bezug zur russischen Kunst und zum konstruktivistischen Design darzustellen. Für Kopfbedeckungen ist die Kollektion Mützen und Hüte bietet Modelle an, die von sowjetischen zivilen und militärischen Kopfbedeckungen inspiriert sind.

Das bekannteste visuelle Symbol des 20. Jahrhunderts bleibt die rote Fahne. DER Flaggen der UdSSR und Hammersichel Stellen Sie das 1923 offiziell angenommene und bis 1991 erhaltene Emblem wieder her. Ob im Wand- oder Taschenformat, sie sind das unmittelbarste Symbol der sowjetischen visuellen Kultur. Darüber hinaus ist die kommunistisch gemusterte Kissenbezüge (historische Gesichter, Sichelhammer, stilisierte Flaggen) erweitern die sowjetische visuelle Kultur auf Möbeln und finden ihren Platz auf einem Sofa oder einem Lesesessel.

Um eine bereits vorhandene Auswahl zu vervollständigen, muss die Sowjetisch inspirierte Accessoires (Tassen, Wasserflaschen, Taschen, Aufkleber, Schlüsselanhänger) bieten einen alltäglicheren und bescheideneren Ansatz. Schließlich ist die Schmuck mit roter Ikonographie (Anstecknadeln, Manschettenknöpfe, Sichelhammerbroschen, rote Sternanhänger) ermöglichen es Ihnen, ein Fragment dieser grafischen Tradition bei sich zu tragen.

Drei Inszenierungsideen, um russische und sowjetische Kunst zu Hause hervorzurufen:

• Die Wand der Postergalerie: Drei oder vier aneinandergereihte gerahmte Poster, rot-schwarz-weiße Farbpalette, Format 50x70 cm, an einer hellen Wand angebracht, um die konstruktivistische Geometrie hervorzuheben.
• Die konstruktivistische Büroecke: eine Metalltafel, die hinter einem Holzschreibtisch hängt, ein Becher mit sowjetischer Ikonographie auf dem Tisch, ein Sichelhammer-Schlüsselanhänger und ein paar russische Kunstbücher auf einem Stapel.
• Die Kapselgarderobe: ein CCCP-T-Shirt als Basisstück, eine kommunistische Mütze als Kopfbedeckung, eine Tasche mit roter Ikonographie als Accessoire. Drei Stücke, die ausreichen, um einen zusammenhängenden ästhetischen Bezug zu vermitteln.

Um in der Komposition weiter voranzukommen, zwei nützliche Prinzipien. Halten Sie die historische Palette (dominante Akzente in Zinnoberrot, Schwarz und Weiß, ein oder zwei Ocker- oder Industriegrau-Akzente). Beschränken Sie die Akronyme auf eins pro Stück (Hammersichel ODER roter Stern ODER CCCP, niemals alle drei zusammen auf demselben Objekt), um den Effekt einer symbolischen Überladung zu vermeiden.

FAQ - Häufig gestellte Fragen zur russischen Kunst

Diese FAQ fasst die sechs am häufigsten gestellten Fragen zur russischen Kunst im 20. Jahrhundert mit prägnanten und historisch dokumentierten Antworten zusammen.

Was ist russische Kunst und welche Bewegungen definieren sie?

Unter russischer Kunst versteht man die russische und dann sowjetische Kunstproduktion vom Mittelalter bis heute. Im 20. Jahrhundert gliederte sie sich in vier Hauptphasen: die russische Avantgarde (1907-1932) mit Malewitsch, Tatlin und Rodtschenko, der als Staatsdoktrin durchgesetzte sozialistische Realismus (1934-1953), das Chruschtschow-Tauwetter (1953-1964) und die nonkonformistische Kunst (1960-1991) mit Sots-Kunst und der Schule der Lianosowo. Vor dem 20. Jahrhundert gab es zwei Meilensteine: die Ikonen von Rublev (14.-15. Jahrhundert) und die Ambulanten von Repin im 19. Jahrhundert.

Wer sind die berühmtesten russischen Maler?

Zehn Namen zum Auswendiglernen decken das Wesentliche der russischen Kunst ab. Vassili Kandinsky (lyrische Abstraktion), Kasimir Malewitsch (Suprematismus), Marc Chagall (Oneirismus), Vladimir Tatlin (architektonischer Konstruktivismus), Alexandre Rodchenko (Fotomontage), El Lissitzky (Proun- und Objektbücher), Natalia Goncharova (Neoprimitivismus), Alexandre Deineka (monumentaler sozialistischer Realismus), Vera Mukhina (monumentale Skulptur) und Ilya Kabakov (Konzeptualismus). Moskauer). Für den vorherigen Zeitraum nennen wir Andrei Roublev (Ikonen) und Ilia Repin (Krankenwagen).

Was sind die Merkmale des russischen Konstruktivismus?

Der russische Konstruktivismus ist eine utilitaristische Kunst, die den Künstler zwischen 1917 und 1932 in einen Produzenten sozialer Objekte verwandelte. Seine Hauptmerkmale: Fotomontage, strenge Geometrie, typografische Beschriftung, Rot-Schwarz-Weiß-Palette, Faktura (beanspruchtes Rohmaterial), Tektonika (sichtbare Konstruktionslogik) und Konstruktsia (rationale Organisation des Objekts). Seine Schlüsselfiguren sind Tatlin, Rodtschenko, Lissitzky, Stepanowa und Popowa. Das 1920 gegründete VKhUTEMAS, das russische Äquivalent des Bauhauses, ist sein zentrales Bildungszentrum.

Wann begann der sozialistische Realismus in der UdSSR?

Der Sozialistische Realismus wurde im August 1934 während des Ersten Sowjetischen Schriftstellerkongresses offiziell formuliert. Die Lehre wurde von Andrei Jdanov verkündet und nach und nach auf alle bildenden Künste ausgeweitet. Der gesetzliche Zeitpunkt des Bruchs mit den Avantgarden liegt jedoch früher: Am 23. April 1932 löste das Zentralkomitee per Dekret alle unabhängigen Künstlergruppen auf und zwang die Mitgliedschaft im einheitlichen Verband sowjetischer Künstler. Der Sozialistische Realismus blieb bis zu Stalins Tod im März 1953 eine strenge Staatsdoktrin.

Was ist die russische Avantgarde?

Die russische Avantgarde bezeichnet die Generation von Künstlern, die zwischen 1907 und 1932 die russische Kunst in ein globales Experimentallabor verwandelten. Es umfasst die lyrische Abstraktion von Kandinsky, den Neoprimitivismus und Rayonismus von Goncharova und Lariontov, den Suprematismus von Malewitsch und den Konstruktivismus von Tatlin und Rodtschenko. Sie konzentrierte sich auf Moskau, Sankt Petersburg und Witebsk und ging den Pariser und Münchner Avantgarden voraus oder konkurrierte mit ihnen. Ihr offizielles Ende markierte das Dekret vom 23. April 1932, mit dem die selbständigen Gruppen aufgelöst wurden.

Welche Museen gibt es in Frankreich, um russische Kunst zu sehen?

Mehrere Pariser Museen bieten direkten Zugang zur russischen Kunst. Das Centre Pompidou beherbergt die bedeutendste Sammlung russischer Kunst des 20. Jahrhunderts in Frankreich mit Werken von Kandinsky, Malewitsch, Rodtschenko, Lissitzky und Chagall. Das Musee d'Orsay bietet Gemälde von Ilia Repine und Les Ambulants. Die Louis Vuitton Foundation organisiert regelmäßig Wechselausstellungen zur russischen Avantgarde. Das Petit Palais beherbergt Werke von Chagall. Um dieses historische Eintauchen zu Hause zu vervollständigen, ist der Katalog von kommunistische Plakate bietet Reproduktionen basierend auf sowjetischem Agitprop aus den 1920er Jahren.